HORACIO HERRERA - PREMIADO EN “ARTE PUNTA 2013”

LA CONSTRUCCIÓN DE LA TERNURA

HORACIO HERRERA (Uruguay, 1976) comenzó en 2002 sus estudios de pintura con Gabriel Bruzzone y entre 2003 y 2006 trabajó en el taller de Sergio Viera.

En 2006 realizó su primera muestra individual en el Cabildo de Montevideo, y en 2007 expuso la serie De cuerpo y alma en el hotel Rivendel de Piriápolis y en el Salón del Autor Nacional de AGADU. Estos trabajos también aparecieron integrados a los textos del libro Homenaje a mi perra de Hugo Giovanetti Viola (elMontevideano / Laboratorio de Artes, 2007). En enero de 2013 participó en la muestra colectiva internacional ARTE PUNTA 2013, obteniendo una mención especial.

El blog de elMontevideano / Laboratorio de Artes incluye trabajos pertenecientes a su última producción.

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La reciente aparición de cinco de tus obras en Punta del Este puede considerarse un punto de inflexión en tu evolución plástica, dadas las texturas digitales que utilizás por primera vez “en grande”, por así decirlo. Tenés un ilustre antecedente, en cierto grado, además, en las “boligrafías ampliadas” que expuso Espínola Gómez en Galería Latina. ¿Cómo fuiste llegando a este viraje expresivo?

Bueno, como tú bien decís es una evolución que lleva ya unos años; desde 2007 me empecé a adentrar en la composición abstracta y de a poco fui incorporando o probando nuevas cosas en esa búsqueda de una obra personal, con la que yo mismo me sintiera identificado. Esas cosas -que hasta el momento no había hecho- me hacían sentir más libre y menos encasillado en conceptos ya establecidos: los formatos se fueron haciendo más grandes porque el mismo trabajo lo iba pidiendo, y también me atreví a poner colores más jugados creando a veces composiciones muy chocantes, en fin, cada vez con mayor libertad. Claro que en el proceso había también trabajos que luego de analizarlos no caminaban por diferentes motivos, pero había otros que me daban la pauta de que valía la pena seguir buscando por ese camino. Creo que la abstracción te abre muchas posibilidades, aunque también te limita en cierto sentido ya que te expone más al caos. Pero dentro de ese panorama tan transitado uno siente un especial interés por seguir investigando.

 Con respecto al arte digital ya venía realizando algunas pruebas, pero luego de meterme en el plano abstracto, esta herramienta fue de suma importancia ya que a todas las posibilidades de la propia composición se le suman todas las que te ofrece una computadora y los programas actuales de composición y diseño. Es una herramienta de una versatilidad increíble, la que me permite, por ejemplo, hacer varias pruebas de color, efectos, texturas, trabajar con fotografías, componer collages digitales y después transformar, retocar, rearmar todas las partes que yo quiera, etc, etc. Ese fue un poco el proceso de como llegué hasta acá, hasta estos abstractos digitales que viste en Punta del Este.

 Gracias a la tentacularidad tecnológica, estas nuevas obras permiten ser reproducidas en distintos tamaños y cantidades, haciendo que el “original” sea solamente la composición que quedó archivada en el momento de la génesis. ¿Podemos comparar esta nueva forma de proyección y difusión con lo que fue, en su tiempo, el advenimiento del grabado?

 Sí, claro, porque acá tenemos un archivo digital creado y guardado dentro de un ordenador del cual se pueden sacar infinitas reproducciones en diferentes formatos que van hasta un máximo de 1,50 mts. de ancho por el correspondiente largo (también podrían imprimirse más grandes aunque no en nuestro país, ya que la tecnología de la impresora debería ser mucho mayor a la que existe actualmente aquí), y en el grabado tenemos una plancha original que ha trabajado el artista de la cuál también se sacan varias impresiones.

 Pero el original no sólo es el archivo o la plancha creados, sino que las impresiones obtenidas son originales, y es muy importante certificar qué número de original corresponde a cada impresión y cuántas hay en total; por lo general el artista lo hace en algún sector de la obra que considere apropiado, firmándolo nuevamente. Hay que ser muy cuidadoso con el archivo digital para que no se puedan hacer reproducciones no certificadas. Y para seguir con el paralelismo con el grabado, recordemos que algunos artistas llegaban a destruir la plancha original luego de haber obtenido la cantidad de impresiones que querían.

 Tengo la impresión de que en tu trabajo, ya sea figurativo o abstracto, se filtra siempre una presencia decisiva de la naturaleza, rasgo que Lezama Lima le atribuía específicamente al arte americano. ¿Lo sentís así conscientemente?

 Sí, para mí la naturaleza es maravillosamente mágica y misteriosa, me gusta mucho contemplarla y admirar su belleza, su orden, su fuerza, su carácter; por ello en mi obra también tiene un espacio muy importante. Y también es verdad que me siento muy identificado con el arte americano. Te confieso que muchas veces -ahora que estoy trabajando más en la composición abstracta- esta presencia de la naturaleza aparece en forma inconsciente, y esto forma parte también del proceso creativo y de la espontaneidad que nunca deja de sorprenderme. 

 Si tuviera que definir poéticamente el panorama que irradian tus “tramas simbólicas”, elegiría el título Construcción de la ternura. O sea, que uno siempre se enfrenta al retrato sosegado de una batalla donde triunfa porfiadamente la aceptación o inclusive el festejo de las estructuras cósmicas. ¿Estás de acuerdo?

 Totalmente. Y me encanta como lo definís y lo sintetizás tan poéticamente. Vos sabés que para mí es muy importante el "festejo de las estructuras cósmicas".