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Registro de una de las frecuentes tertulias realizadas en el "cuartel artiguista de la calle Lepanto" donde debatimos las realizaciones de ElMontevideano Laboratorio de Artes.
"Dersu Uzala" es una película de 1975 basada en el libro de Arséniev, de producción soviética y dirigida por el japonésAkira Kurosawa. Fue rodada durante 1974 en los escenarios naturales de la taiga siberiana que recorrieron Dersú y Arséniev, a pesar de que hacía mal tiempo para el rodaje.
Vladímir Arséniev narra sus viajes por la cuenca del río Ussuri en la parte más oriental de Rusia. Ahí conoció a Dersú Uzalá (1849-1908), un cazador de la tribu china Hezhen, que sirvió como guía del grupo de expedición entre 1902 y 1907, salvándolos de morir de hambre y frío en varias ocasiones.
Dersu era nómada y animista, entablaba una relación con la naturaleza de igual a igual sin intentar imponerse como hacía la civilización occidental. Este libro está considerado en Rusia como un clásico.
En 1907 Vladímir Arséniev invitó a Dersú a vivir en su casa de Jabárovsk debido a la pérdida de visión que Dersú empezó a sufrir, por la que no podía seguir cazando. En la primavera de 1908, después de comprobar que le era muy difícil adaptarse a la vida de la ciudad, decidió regresar a la región de la que provenía. Dersú murió asesinado, según cuenta el libro, en el pueblo de Korfovskiy y enterrado en una tumba no identificada en la taiga rusa.
Para la mayoría de los cinéfilos internacionales, la palabra Mosfilm inmediatamente trae a la mente dos nombres importantes en las películas rusas: Sergei Eisenstein y Andrei Tarkovsky . Ambos directores realizaron no solo películas importantes, sino que dieron pasos importantes para desarrollar el lenguaje visual de la película en sí, y ambas trabajaron para Mosfilm, uno de los estudios cinematográficos más grandes y antiguos de Rusia. Establecido por primera vez en 1923, pasó a producir más de 3.000 películas durante la era soviética, algunas de las cuales ahora definen el cine de ese período. Ahora los espectadores de todo el mundo pueden disfrutar de su exuberancia estética, interés histórico y valor de entretenimiento puro más fácilmente que nunca en el canal de Youtube de Mosfilm , que ofrece una de sus muchas imágenes que se pueden ver libremente. una selección de 70 películas en alta definición .
Solaris es una película de ciencia ficción soviética de 1972 basada en la novela homónima del escritor polaco Stanisław Lem. Fue co-escrita y dirigida por Andréi Tarkovski, uno de los directores soviéticos más famosos y aclamados por la crítica. La película es un drama psicológico meditativo que ocurre principalmente a bordo de una estación espacial que órbita el planeta ficticio Solaris. La misión científica se ha estancado porque la mínima tripulación de tres científicos ha caído en crisis emocionales separadas. El psicólogo Kris Kelvin viaja a la estación espacial Solaris para evaluar la situación, solo para encontrase con los mismos misteriosos fenómenos como los demás.
Fiel a la narrativa compleja y lenta de la novela, Tarkovski quería aportar una nueva profundidad emocional e intelectual al género, viendo la mayor parte de la ciencia ficción occidental como superficial.
Las ideas que Tarkovski trató de expresar en esta película las desarrollaria aún más en Stalker (1979).
La película se cita a menudo como una de las mejores películas de ciencia ficción en la historia del cine.
Para la mayoría de los cinéfilos internacionales, la palabra Mosfilm inmediatamente trae a la mente dos nombres importantes en las películas rusas: Sergei Eisenstein y Andrei Tarkovsky . Ambos directores realizaron no solo películas importantes, sino que dieron pasos importantes para desarrollar el lenguaje visual de la película en sí, y ambas trabajaron para Mosfilm, uno de los estudios cinematográficos más grandes y antiguos de Rusia. Establecido por primera vez en 1923, pasó a producir más de 3.000 películas durante la era soviética, algunas de las cuales ahora definen el cine de ese período. Ahora los espectadores de todo el mundo pueden disfrutar de su exuberancia estética, interés histórico y valor de entretenimiento puro más fácilmente que nunca en el canal de Youtube de Mosfilm , que ofrece una de sus muchas imágenes que se pueden ver libremente. una selección de 70 películas en alta definición .
La película sigue la vida del famoso escritor J.D. Salinger, centrándose en las circunstancias que rodean la creación de su obra más conocida, El guardián entre el centeno, que logró capturar a una generación desencantada. El novelista era el menor de dos hermanos, fue un adolescente rebelde y vio de primera mano los horrores de la Segunda Guerra Mundial, que le dejaron marcado para siempre. Además, cuando quiso dedicarse a escribir se encontró sin apoyos, a excepción de su profesor Whit Burnett (Kevin Spacey). Una interesante vida en la que tuvo que hacer frente a grandes amores ya pérdidas terribles. (Rebel in the Rye).
Presentación de Jaime Buhigas del Curso teórico-práctico dirigido a alumnos con conocimientos previos de Geometría Sagrada o profesionales del Diseño, la Arquitectura, la Composición, el Arte, la Música o la Salud.
Conociendo los fundamentos de la Geometría Sagrada como premisa, el curso es un taller teórico y práctico para la aplicación de dichos conceptos. En base a una programación general dedicada a algunos de los principales geómetras de la historia y sus textos más importantes, cada alumno desarrollará a lo largo del curso, su proyecto particular en el que desee aplicar la geometría sagrada:
• diseño
• arquitectura
• simbología
• estudio de catedrales y templos
• salud
• análisis de obras de arte
CHE, UN HOMBRE NUEVO (Mejor documental en el Festival de Cine de Montreal)
Consagrado como uno de los mejores directores de toda Latinoamérica, el realizador argentino TRISTÁN BAUER (Iluminados por el fuego, Después de la tormenta), presentó en el Festival de cine de Montreal su trabajo, CHE, UN HOMBRE NUEVO por el que el jurado de la sección le ha concedido el máximo galardón con el Premio al Mejor Documental.
CHE, UN HOMBRE NUEVO es un documental de creación con guión del propio Tristán y Carolina Scaglione sobre la vida y obra de Ernesto Guevara. La intención de sus autores ha sido generar un viaje a través de la memoria, el pensamiento y la poesía del guerrillero. Por primera vez en la historia, su mujer Alina y sus hijos ceden la documentación más íntima con la que jamás nadie antes había contado. Escritos, grabaciones y narraciones literarias que nos presentan a Ernesto Guevara en su dimensión más poética y humana. A su vez, el Gobierno Cubano aporta 20 horas de imágenes inéditas hasta ahora nunca vistas.
CHE, UN HOMBRE NUEVO es una coproducción entre Argentina (Universidad Nacional del Gral San Martín y el INCAA), Cuba (Centro de estudios Che Guevara y el ICAIC) y España (Golem). Además, cuenta con la participación de Televisión Española.
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PARA VER DOCUMENTAL CUBANO SOBRE ERNESTO "CHE" GUEVARA (CLICK AQUÍ)
El último hablante de chaná, una lengua que se creía extinguida desde hace un siglo.
El documental ‘Lantéc chaná’ rescata la memoria de un grupo étnico que vivió en el litoral argentino y Uruguay (Banda Oriental) a través del testimonio de Blas Jaime, aquí una entrevista a su directora Marina Zeising.
Con más de cuatro décadas de carrera musical, ha escrito al menos quinientas cuarenta y ocho canciones y publicado una veintena de álbumes, siendo uno de los cantautores de mayor trascendencia de habla hispana, elMontevideano Laboratorio de Artes se suma a su reconocimiento en su aniversario No. 70 y comparte este valioso documental.
Acabando el siglo XX, fue elegido en su país como el mejor compositor cubano del siglo, mientras que a nivel internacional fue galardonado, junto a Joan Manuel Serrat, como el mejor cantautor hispanoamericano de la segunda mitad de siglo y en 1997 como Artista Unesco por la Paz.
En el siglo XXI, por su parte, recibió el premio ALBA de 2010, además de recibir el grado de doctor Honoris Causa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos del Perú, la Universidad Veracruzana de México y la Universidad Nacional de Córdoba de Argentina.
El viernes 14 de octubre se presentó en el teatro de la
radiokulturhaus.orf de Viena el ensemble cosmopolita Minimal Tango, que fundó el pianista y compositor argentino
(rosarino) Diego Collatti en 2001, al poco tiempo de llegar a Austria para
completar su carrera de Magister Universitario. El grupo que dirige Collatti
está integrado actualmente por Ignacio Giovanetti (guitarra). Felipe Medina
(contrabajo) Algy Wu (bandoneón) y Kaoru Asayama (violín). Actuaron como
invitados los bailarines Martín Acosta, Chiara Greco. Francesco Viccari y Jorge
Talquenca, y los cantantes Oscar Moreira y Luis Cárdenas.
De la cantera inagotable de la Escuela...actores, directores. ..
hoy todos los egresados y estdiantes mostrando el camino para poder SER y HACER CINE en un país donde te enseñan a hacerlo con herramientas caras y lejos de las mayorías.
La realidad ya confirmo lo que desde el 2010 la Escuela viene demostrando con el ejemplo.
SALUD gente inolvidable de la Escuela! !!
Guion, cámara y dirección: Leo Silveira
Actor: Hector Moure
Cortometraje realizado para egreso del Taller de Dirección de la escuela El Montevideano - 2011.
Nota: Todas las canciones pertenecen a sus propios dueños con sus respectivos derechos, así como las imágenes de todas las personas que aparecen durante el desarrollo de este video. Este cortometraje fue realizado con una finalidad estudiantil por lo que no pretende ser objeto lucrativo.
Dirección: Krzysztof Kieślowski Producción: Marin Karmitz Guion Krzysztof Piesiewicz, Agnieszka Holland, Edward Zebrowski, Slawomir Idziak y Krzysztof Kieslowski Música Zbigniew Preisner Sonido Jean-Claude Laureux Fotografía Sławomir Idziak Montaje Jacques Witta Protagonistas Juliette Binoche, Benoit Regent, Florence Pernel, Charlotte Véry, Hélène Vincent, Philippe Volter, Claude Duneton, Hugues Quester, Enmanuelle Riva, Florence Vignon, Jacek Ostaszewski, Isabelle Sadoyan, Yann Tregouet, Daniel Martin, Catherine Therovenne, Alain Ollivier, Pierre Forget, Julie Delpy, Zbigniew Zamachowski y Alain Decaux Año: 1993-1994 Duración: 94 minutos La grandeza del cine de Kieslowski reside en la duda. Con Azul se ingresa a un universo limpio y transparente desde su comienzo. El tema de la película gira sobre el concepto de la libertad. Se puede hacer una buena o mala película y no importa si la idea es grande o pequeña. Así sea sobre el imperativo categórico según Kant o sobre la desaparición de la sopa en el mundo urbano. Lo que verdaderamente importa es que el espectador encuentre su creencia en la emoción. Esto, con bastante efecto lo logra este original realizador. Porque no solamente Kieslowski nos presenta una realidad francesa (la película se desarrolla principalmente en París) sino que la ofrece despojada de toda verdad documentada, poniendo en cámara a los personajes y contando una historia, una historia verdadera, así sea inventada.
La libertad transcurre gracias a los procedimientos de una gran crueldad: Kieslowski es un cineasta cruel. La libertad de Julie (Juliette Binoche) se obtiene gracias a la muerte de sus seres más queridos, su marido y su pequeña hija. Se puede notar la manera implacable como Kieslowski anuncia con una precisión clínica y en un sentimiento del suspenso tan cercano a Hitchcock, el accidente del carro y la familia va a ser víctima al comienzo de la cinta (primeros planos de las partes destruidas del carro). Porque sobre la familia es que se insiste y sobre todo en el aspecto irrisorio del auto accidentado, el cual sugiere la indiferencia de los seres humanos ante el destino de sus semejantes: un muchacho llega al lugar del accidente y toma una joya de una de las víctimas, sin darle socorro.
Una vez adquirida esta libertad, Julie acabará por renunciar a ella, igualmente con indiferencia, cediendo tibiamente a la pasión de un hombre del cual se siente suya. Porque el personaje de Olivier (Benoit Regent) no es más que una pretexto para sacar a Julie de esa soledad que no le conviene. La crueldad de Kieslowski, se puede notar mejor en una pequeña secuencia: cuando Julie toma prestado un gato de su vecino, cuando agarra una aspiradora para deshacerse de unas ratas que ha descubierto en donde guarda sus zapatos. Kieslowski considera al gato como una máquina eficaz para matar ratones.
Pero es la música la que le da credibilidad a la historia. El “Concierto para Europa”, compuesto por el marido de Julie ha quedado inconcluso. Ella escuchará las notas sinfónicas venidas de otra parte que llegará a completar el concierto. Estos acentos sinfónicos sobrenaturales habrían podido alimentar la película como algo fantástico con una persistencia de la relación de Julie con su marido más allá de la muerte. Pero no es así
Whereas Eisenstein – as seen in that film school standard Battleship Potemkin – used montage editing to create new ways of telling a story, Vertov dispensed with story altogether. He loathed fiction films. “The film drama is the Opium of the people,” he wrote. “Down with Bourgeois fairy-tale scenarios…long live life as it is!” He called for the creation of a new kind of cinema free of the counter-revolutionary baggage of Western movies. A cinema that captured real life.
At the beginning of his masterpiece, A Man with a Movie Camera(1929) – which was named in 2012 by Sight and Sound magazine as the 8th best movie ever made – Vertov announced exactly what that kind of cinema would look like:
This film is an experiment in cinematic communication of real events without the help of intertitles, without the help of a story, without the help of theatre. This experimental work aims at creating a truly international language of cinema based on its absolute separation from the language of theatre and literature.
Gleefully using jump cuts, superimpositions, split screens and every other trick in a filmmaker’s arsenal, Vertov, along with his editor (and wife) Elizaveta Svilova, crafts a dizzying, impressionistic, propulsive portrait of the newly industrializing Soviet Union. The lengths to which Vertov goes to capture this “cinematic communication of real events” is startling: His camera soars over cities and gazes up at streetcars; it films machines chugging away and even records a woman giving birth. “I am eye. I am a mechanical eye,” Vertov once famously wrote. “I, a machine, am showing you a world, the likes of which only I can see.”
Yet Vertov’s stroke of genius was to expose the entire artifice of filmmaking within the movie itself. In A Man with a Movie Camera, Vertov shoots footage of his cameramen shooting footage. There’s a reoccurring shot of an eye staring through a lens. We see images from earlier in the movie getting edited into the film. This sort of cinematic self-reflexivity was decades ahead of its time, influencing such future experimental filmmakers as Chris Marker, Stan Brakhage and especially Jean-Luc Godard who in 1968 formed a radical filmmaking collective called The Dziga Vertov Group.
A Man with a Movie Camera, especially with Alloy Orchestra’s accompaniment, is nothing short of exhilarating. Check it out above. Also find the classic in the Silent Film section of our collection of 625 Free Movies Online.
Dirigida por el propio Carlos “Indio” Solari, se filmó durante el cierre de la Gira Porco Rex de 2008, en el Estadio Ciudad de la Plata ante más de 90.000 espectadores.
El filme refleja la comunión de Indio y su público, espectáculo único, un homenaje a tanta emoción.
Para ello se utilizaron 12 cámaras HD, un condor-cam y helicópteros para tomas aéreas. Para la primera etapa, la banda de sonido se editó y pre mezcló en los estudio Luzbola de Parque Leloir. En tanto que la mezcla final y masterización se realizó en los estudios Abbey Road de Londres bajo las normas estéreo y 5.1.
El proceso de imágenes se realizó enteramente en Buenos Aires en los estudios Alta Definición Argentina.
